Musi O Tunya: Give Love To Your Children

14ymedio.com sale al aire (aunque bloqueado por 55 y medio)

tumiamiblog

(en otro post comentaremos a 14ymedio.com como tal)

14ymedio.com el periódico digital dirigido por yoani sánchez acaba de salir al aire y ya la noticia desde el periódico el país es que el gobierno cubano lo ha bloqueado (para esos que tratan de acceder a la dirección desde cuba).

diarios de latinoamérica y españa se hacen eco de la noticia:

la vanguardia
o globo mundo (brasil)
el mundo
el universal (venezuela) 
el universo (ecuador)
huffington post 
el tiempo
el clarín (argentina)

¿qué demuestra el bloqueo de 14ymedio.com por parte de un gobierno con total control de la información?

una verdad triste e indefensa: en cuba la libertad es una dádiva del estado. 

lo peor es que al gobierno cubano no le preocupa en lo absoluto demostrar al mundo lo contrario. no le preocupa dar ese viso de imparcialidad necesario cuando se proclama tener "la verdad". lo hacen porque el precio que pagan es mínimo.

¿qué sentido tiene bloquear y jaquear algo que es supuestamente falso? nadie es tan tonto como para ignorar que la censura de 14ymedio supone un abuso despótico. el asunto es que los defensores del castrismo lo justifican (y hay muchos defensores del castrismo dentro y fuera de cuba).

el gobierno cubano no solo bloquea 14ymedio, sino que redirige el acceso del usuario a yoanislandia, página web operada por el ministerio del interior y dirigida por h. m. lagarde e iroel sánchez donde yoani sánchez es presentada como "la engañadora" (con una burda foto). yoanislandia es un libelo amarillo costeado por el ministerio del interior, cuyo propósito es desprestigiar la persona yoani sánchez.

aquí el estamento de principios de la página:

Este es sitio de un grupo de personas hartos de que Yoani Sánchez se presente como la Madre Teresa de Calcuta de los disidentes cubanos y el ciberfetiche de turno, mientras se esconden sus ambiciones políticas y económicas. Es probablemente la cubana más rica de la Isla, con salarios fijos mensuales a cargo de la SIP, El País, O’Globo... No deje que lo traten como un débil mental: ella no es ni independiente, ni periodista, ni disidente, ni bloguera. En Cuba nadie la conoce, salvo en su barrio porque ostenta todo tipo de lujos y se codea con los señores de la Embajada americana.

pasemos por alto lo de "cubana más rica de la isla" (cuando en cuba los pinchos viven en repartos congelados). si en cuba "nadie la lee, salvo en su barrio", ¿que hace toda la maquinaria de un gobierno que jaquea el periódico de un grupúsculo de disidentes?

pero bien... todo ese alarde de impunidad y poder, ¿para qué?

lo que es patente es que el gobierno cubano tiene mucho miedo.

el lúdico martiano de zoe valdés

obra de michel blázquez (via blog de zoe valdés)

atRifF

en tumiamiblog hemos tenido nuestros encontronazos con la escritora zoe valdés. pero el mundo gira y la vida se presenta con nuevas aristas. el punto es que rosie ayer me lee este post de zoe titulado "sueño erótico martiano". y francamente me pareció tan fresco, tan necesario.

Una noche Martí se me apareció vestido de heladero. Yo era una niña y lo que más ansiaba era tomarme un helado de coco, pero la ‘revolución comunista’ con la que dicen que había soñado Martí, el pobre, al que le han endilgado ya varios horrores, había prohibido los helados de coco por diversionistas ideológicos al parecer. Esa noche soñé que Martí me traía un helado de coco y en su ancha frente sudorosa llevaba encasquetado un gorro blanco de heladero.

¿martí heladero? no sé para las letras. pero esa imagen resulta imprescindible para la filosofía política cubana actual. depuesto de su trono ideológico, vemos a martí como un simple vendedor clandestino de pollo frito. valdés me hizo imaginar un martí cuentapropista y enamoradizo (como siempre), tratando de bregar en esa asfixiante atmósfera de opresión burocrática contra la iniciativa privada --tan característica de medio siglo de castrismo.

de paso valdés sexualiza la ideología.

Ayer, como de costumbre, soñé que Martí andaba por ahí, revoloteando en mi habitación, montado en su caballo blanco. Y se bajaba del caballo más vivo que nunca y se desnudaba así como se desnuda Richard Gere en American Gigoló y me daba una templada de altura. Yo levitaba con la singada que me daba Martí. 

¿singarse a martí? es harto peligroso. valdés deconstruye el "ideario." el asunto ya no es "sacrificarse por la patria", no es "morir de cara al sol", no. el deseo --y muy urgente-- es de singarse al apóstol. no pasemos por alto que ese sueño lúdico de valdés con el padre de la patria la hace caer en la trampa misma que ella desea desarticular, pero he aquí que lo hace de manera magistral.

No, Martí anoche no murió en el caballo blanco, por el disparo de un arcabuz ni por el chivatazo de un cubano. No, Martí se bajó del caballo y me dio tremenda mamada y yo se la di a él. 

salvando en este caso la competencia literaria ¿cuándo --que se sepa-- martí le dio una regia mamada a una escritora? no todos los hombres maman. simplemente no pueden. ¿mamó alguna vez fidel castro? la ideología como sistema patriarcal sencillamente no puede verse mamando (dudo incluso que "el caballo" disfrutrara que le dieran una buena mamada a él, abandonarse y delegar el mando a otra voluntad).

lo cierto es que después del sueño de valdés no me cabe duda que martí era un poeta realizado, si entendemos por ello que un poeta --sea mujer u hombre-- debe amar y mamar sin tapujos. qué jodedor el apóstol y qué dichosa valdés.

Y (Martí) me abrazó y me dijo una pila de cosas lindas, y luego se marchó, montado de nuevo en el caballo blanco, que así en la penumbra parecía una mancha de esperma martiana; y me prometió que escribiría un poema. Un poema para mí: su amada.

La foto de Paquito

Paquito D'Rivera (Marianao, 1968)

Ingeborg Portales

Los domingos suelen ser días apabullantes por más rituales que te inventes. Ayer me refugié en Barnes & Noble, y allí acampé en mi sección favorita, catálogos de arte y fotografía. Después de descubrirle por un rato Klimt a mi hija mayor, quien quedó fascinada con “El beso” tropecé con dos libros “I was Cuba” y “Cuba Then”. Ambos recopilan una serie de fotografías de la colección Ramiro Fernández. Hojeando “Cuba Then” encontré esta de Paquito D’Rivera en su casa de Marianao.

Efectivamente, sabes que es Paquito, y no porque lleve un saxo en la mano, sino por su perspicaz “aclaración sexual” al dorso de la foto, por si acaso, “el número de mis zapatos es el 15”. Paquito sentado en el piso de su cuarto te impone el recorrido visual ascendente, desde sus inquietantes zapatos que parecieran escaparse del primer plano a intentar adivinar cada color de las rayas de sus calcetines. Pantalones de campana porque es diciembre del 68. Cigarro en la mano izquierda porque con la derecha sujeta el saxo como si apretara contra su pecho al amor de su vida. Lleva lentes desde siempre. Una radio y un vinilo a sus espaldas “Jazz Crusaders”, que bien pudo haber sido también aquel otro LP que su padre trajo un día a casa cuando aun él era un niño, “Benny Goodman en vivo en el Carnegie Hall”, y que él entendió “carne y frijol”.

Mi hija pregunta ¿quién es ese de la foto mamá? Le cuento aquello que alguien dijo “un solo de este hombre te puede arreglar un mal día”, (incluso si es domingo). Por más que ella insiste en que debo comprarme estos libros de fotografías de Cuba, no lo hago, son caros, le tomo foto a la foto, prefiero que ella se lleve “El guardián en el trigal” y “El señor de las moscas”. Un día mamá, cuando yo venga a escondidas a las librerías a firmar mis propios libros en los estantes, te voy a regalar un catálogo de estos cada semana.

Argent ~ Hold Your Head Up (1972)

Bien, traté de conseguirles una versión en vivo de la pieza, pero en realidad ninguna se acerca a la delicadeza de la grabación de estudio donde una vez más se impone el realce del melotrón como instrumento clave de recreación rockera en esa época. Ya lo hemos disfrutado en otras piezas classic rock en Tumiami. Argent fue una banda británica de hard rock de corta vida de 1969 a 1976. Toma su nombre del organista y vocalista Rod Argent. Este fue el número emblemático que identificó al grupo. Era una melodía de medianoche, luz ambarina y humo psicodélico. Se dejaba recorrer por el cuerpo mientras compartíamos el sudor con la pareja hasta que se embotaban los sentidos entre melodía y otras parafernalias. La música era emancipación. Durante el trance, los cuerpos se movían geográficamente localizados dentro de algún sitio de La Habana, pero en realidad el propósito era que la isla fuera quedando al margen de la danza. (JR)

soy el cubano estafador de 238 millones al medicare

atRifF

asere que me lee: me llamo jorge emilio pérez de morales. soy cubano emigrado, estafadol de medicare.

no te solprenda, hay mucha gente como yo. e billete fácil y a llenar el jabuco.

ya ante de venil a la yuma, en cuba, se rumoraba el éxito de alguno emigrado.

y los de la nueva ola aprendimo rápido: bujcar wanikiki con el medicare sin apencalse.
 
sin janquear, mi helmano edy y yo en el gao nos pusimo en la concreta con el bijne.

una noche me bajó el santo: el negocio era mandar dinero del medicare como remesa familiare.

¿to eso paciente viejo de jaialía que viven del güelfear? le dábamo porciento y tremendo cuento que metían al medicare.

con paciencia fuimo consiguiendo el pasavante. loj bile lo procesábamo via canadá y lo mandábano pa cuba.

asere en la yuma todo es a base de "compañía". por eso le pusimo "caribbean transfer". que nombre maj botao.

baracutey, pero le fuímo cogiendo el juego al asunto. ¿somo o no somo?

¿la gente en miami? maleá asere. con un ñao a la mona, manejando bumbumchácata se la pasan con el yariyari del castrismo.

¿nojotro? ganamo la tripleta: carro, gao y geva. yo tenía dos BMW y un Mercede y tremenda mansión en kendal.

¿en cuba? el puro y la vieja orondo y superolgulloso, que los pérez de morales no somo ratón de ferretería.

por si acaso levantando presión en la habana. me compré tremendo gao en la playa y dando caritate con un manguito bijcochuelo de 21 año.

edy y yo pusimo bien a lo viejo y la familia. hoy tengo negocio en santo domingo y méxico.

recuélda asere: la remesa a lo familiare en cuba es el sueño americano de importación.

¿nojotro? somo lo negociante del siglo XXI. asere, y  folmado por la revolución, pa quer sepa.

que manera de hacer billeteee. los pérez de morales levantamos 238 millones. aserito, loj dejamo blanquitooo. vaya de película.

desde el 2012 me bujcaban por estafador polque un cubano chivatón apingante se acojonó y me echó palante la pincha y el tumbe con el singao FBI.

qué mariconá asere, estafadores son todo ello lo capitalista y "a lo yanki dale duro", por si acaso.

asere el comandante tenía razón: son tremendo hijoeputa.

y llegando a la habana de méxico ahora me entero de la cagástrofe: metieron a edy en cana.

asere, esa noticia me mató, pero conmigo no hay zafra. yo sí me doy la vidaaa.

luchar por vivir, vivir por luchar

ilustración Tim Ernst

atRifF

con la llegada del verano (a unas semanas de distancia) es tiempo para nuevas lecturas. acuso recibo de false dawn: the delusions of global capitalism del filósofo conservador y ex-profesor del london school of economics, john n. gray. a más de la mitad del libro, quisiera señalar un punto recurrente en el argumento agonista de gray. me refiero al escepticismo entre el conocimiento y el progreso.

Lo central de la creencia en el progreso es que los valores y objetivos humanos convergen paralelamente con el aumento de nuestro conocimiento. El siglo XX demuestra lo contrario. Los seres humanos usan el poder del conocimiento científico para afirmar y defender sus valores, que las nuevas tecnologías pueden ser utilizadas para aliviar el sufrimiento y aumentar las libertades. En efecto, pero también se puede utilizar para hacer la guerra y fortalecer tiranías. La ciencia hace posible tecnologías que fueron ya alimentadas por la revolución industrial. En efecto, en el siglo XX esas tecnologías fueron usadas para implementar el terrorismo de Estado y el genocidio en una escala sin precedentes. Luego, la ética y la política no avanzan a la par del crecimiento del conocimiento --ni siquiera a largo plazo.

el párrafo anterior de gray se acerca en sustancia a la sospecha histórica que plantea foucault en mot et les choses. pero lo que no puede ignorarse en este caso es que para que exista una tesis "descalificada", debe haber una tesis (anterior) calificada.

¿no puede especularse que cada época es capaz de diseñase un modelo de representación de sí misma? si fuese así, cabe la posibilidad que dicho proceso de legitimación actúe como salvaguarda ideológica. antes de ese paradigma ilustrado que gray evoca en el párrafo (arriba), el modelo correspondía a la visión absolutista y monárquica de la europa barroca. es decir, la diferencia filosófico-política que existe entre un hobbes y un rousseau.

a lo que voy: la decepción del hoy solo puede medirse contra la esperanza de ayer. ¿y por qué vivir tan esperanzados?

¿por qué no simplemente luchar por vivir y vivir por luchar? 

sonny stitt: "cool blues"

pocas veces en la historia del jazz se presenta el fenómeno de la originalidad tal palpable como en el caso del saxofonista sonny stitt. considerado uno de los grandes del bebop, stitt era comparado a charlie parker. y aunque respetado, el primero permanecía a la sombra del segundo. ¿se trataba realmente de una asimilación del estilo de parker? ya hoy se sabe que no fue así.

debió ser difícil vivir a la sombra del gigante por más de una década. si es cierto que tanto stitt como bird abordaban el alto de una manera afín, el primero mostraba una riqueza en el vocabulario del bop. stitt era además un tenorista de envergadura y en el saxofón tenor sonaba muy distinto.

por ello desde fines de los años 50 y para escapar la comparación con bird, sitt recurrió al tenor, demostrando ser un instrumentista muy original. una muestra es la producción sonny side up (1957) donde queda manifiesto el vurtuosismo y la madurez improvisativa de stitt (invitados sonny rollins, el mejor tenorista de fines de la década y dizzy gillespie en la trompeta).

"cool blues" es una composición de charlie parker. observen la capacidad improvisatoria de stitt a partir de 1:36 cuando dobla el tiempo, y en 3:59 al retomar el tema. stitt nos ofrece una cadencias originales: no está simplemente siguiendo una rutina a-la-parker. su improvisación es fresca, sinuosa, compleja, llena de energía y optimismo.

juan formell entre el legado musical y la afiliación política

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invocar la muerte de un individuo como evento merecedor de respeto --o aflicción-- resulta demasiado simplista para la razón crítica. surgen defensores y detractores: ambos tienen su lugar. pero la muerte nunca ha sido ni salvoconducto a la gloria, ni antídoto contra el embate visceral de los vivos.

el fallecimiento de juan formell ha traído toda una serie de discusiones en nuestros medios miamenses. nos alegra que así sea. porque es cierto que juan formell apoyó el castrismo.

y se impone la pregunta: ¿se puede conjugar una producción, sea artística o científica, meritoria con un pasado político cuestionable?  lo siento por los castristas que me leen. opino que ser castrista es un hecho sumamente objetable.

sin embargo, la historia del siglo XX es rica en ejemplos problemáticos: speer y heidegger eran nazis, ezra pound y santayana eran fascistas, mayakovski y pasternak eran bolchevistas, borges era pinochetista, garcía márquez y cortázar eran castristas. nuestro contexto miamense tiene una lista rica en sutilezas: castristas tempranos que rechazaron el castrismo --más temprano que tarde-- como cabrera infante, padilla, carlos franqui, etc. castristas que repudiaron el castrismo --ni siquiera tan tarde--, como jesús díaz y raúl rivero. en miami repican a diario ex-castristas convertidos en demócratas y abundan los castristas encubiertos. la sucesión de deserciones es una llovizna pertinaz de la historia del exilio. ¿cuándo será ya demasiado tarde para rechazar el castrismo?

hemos dicho que formell dejó un sello importante en la historia de la música cubana. a la vez fue un castrista convencido. ¿por qué no aceptarlo?

lo inusitado es que formell no es la excepción sino la regla. por tanto, separar el talento de la afiliación política requiere un análisis más fino.

viene a la mente lo que ortega gasset llamaba "circunstancia". ortega es mal interpretado: su idea de circunstancia generalmente se baraja como una coexistencia entre uno y los demás: no es así. la circunstancia orteguiana es un destino real, comparable al naufragio.

ortega explica que de ahí no queda otra opción, sino nadar. pero nadar no es más que tratar de comprender nuestra circunstancia. empero, ese horizonte que se abre no es una elección. nos viene dado. hasta aquí lo que ortega llama "carácter dramático de la vida". y la vida lleva consigo una marca de fatalidad. ¿es todo fatalidad? no. la libertad radica en saber desenvolvernos y superarnos dentro de nuestra propia circunstancia.

la vida es un continuo nadar entre la libertad y la fatalidad. formell escogió la segunda, dejándonos una tenaz divergencia entre su legado músical y su afiliación política.

la verdad sobre el hecho

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"En verdad ciertamente, lo que está abajo es como lo que está arriba, y lo que está arriba es como lo que está abajo"-- Hermes Trimegisto: La tabla esmeralda

el post tiene que ver con lo que se le pide a la verdad.

sabemos que cierto y falso son enemigos opuestos. ¿pero acaso lo falso no es también un hecho, resultado, posibilidad que termina siendo necesaria?

por tanto, puedo sugerir que "lo falso" es cierto.

la verdad, de entrada, no puede ser una parte de nada. la verdad es un estado general.*

claro está, deseamos concretar esta generalidad sinóptica, hacerla sólida.

ahí llega el hecho y toca la puerta. véase que el problema fundamental del hecho es que todo hecho es cojo, es decir, está por hacerse.

el hecho se cuelga. 

el hecho, literalmente hablando, no ocurrió. supongamos que el hecho "empieza cuando ocurre" u "ocurre cuando empieza", pero esto no es más que una solución temporal provisional, algo así como un corte geométrico a un problema temporal. y es que somos nosotros los que [acotamos] el entorno del mismo. pero de cierto modo esto se repite: cualquiera que este sea, el entorno está "en falta". algo infinitesimal queda detrás... o ¿delante?

sí amigos, el tiempo confabula contra el hecho, puesto que el hecho no [ocurre]: el hecho ]traNScurre[.

lo insólito de todo esto es que no habría hecho sin esa cota que precisamente lo hace cojo. no podríamos referir ningún evento sin acotar un ahora entre pasado y futuro. por definición, todo hecho está condenado a su cojera.

de esta pulsante paradoja que aplica tanto a lo falso como lo cierto del hecho se proyecta la verdad que anuncio a continuación:

el hecho nunca está hecho.  

_____________
* die wahrheit ist ein ganzes ("la verdad es un todo"). en efecto, concordamos con el oscuro pietista alemán friedrich christoph oetinger (1702–82).

Maurizio Pollini tocando la Appassionata de Beethoven

La interpretación de Pollini de la sonata No. 23 para piano de Beethoven en fa menor es sencillamente impresionante. Se comentaba que cuando Pollini ganó el concurso Chopin del año 1960, Rubinstein dijo, "ese muchacho toca mejor que todos nosotros". Pollini estudió con el gran maestro italiano Arturo Benedetti Michelangeli.

(el segundo y tercer movimientos en youtube).

juan formell ha fallecido

atRifF

nos enteramos por fuente auténtica que juan formell (1942-2014) ha fallecido en la habana. sin duda uno de los compositores más importantes de la música cubana de fines del siglo XX. formell, bajista de la orquesta de elio revé, se hace conocido desde fines de la década de los 60 con canciones como "de mis recuerdos" y "ya lo sé", temas cantados por elena burke, y que ayudaron a lanzar una nueva imagen más moderna de la ex-cantante de las d'aida.

formell funda la orquesta van van unos meses antes del 70, con el eslogan "y de que van van", de la fracasada zafra de los diez millones. es un período de efervescencia en que formell hace música para cine y televisión.

el novedoso sonido van van es una mezcla del funk de los 70, rock sicodélico, jazz afrocubano y el son montuno tradicional. los instrumentos claves son la percusión, el bajo y el piano, matizados por una sección de cuerdas amplificadas (integrada por leyva, orlando y linares en los violines y marsillí en el cello). el aporte fundamental le toca al percusionista y baterista josé luis quintana (changuito). se trata de una síntesis entre la campana y el trabajo en el snare drum y el hi-hat. aquí un ejemplo en (changuito en wikipedia)

el nuevo ritmo y sonido llamado SONGO hizo ola en la década de los 70: la fuerza rítmica movía el tiempo del baile más "alante", matizado ahora con ese toque light, sedoso, de cuerdas estilo broadway. esos pasajes novedosos de formell para las cuerdas, que servían tanto de contrapunto a las voces, como apoyo rítmico sonoro en el montuno, parecían escritos como si fueran para una jazz band. los solos eran generalmente de changuito y el flautista. luego, con la entrada de josé luis cortés "el tosco" (recién salido del servicio militar en el año 74) la orquesta se proyectaría como una agrupación muy novedosa, hacia la década de los 80 y 90.

formell deja una lista de éxitos que marcan la música cubana del fin de siglo XX. temas como "bola de humo", "chirrín chirrán", "yuya martínez", "pero qué falta de respeto", "guararey de pastora", "hasta la semana que viene", "resuelve", "dale dos", "el baile del buey cansao", "que no que no" y otras muchas. soy de la opinión que el mejor momento de los van van es el período con cuerdas. a principio de los 90 (y con la salida de changuito), formell cambió el formato a una orquesta con trombones. era una sonoridad más dura para bailar de acuerdo a los tiempos. pero ya entonces el sello del songo habría cedido ante el empuje muy breve de la timba y luego durante todos los 2000 al efecto homogenizador del reguetón.

aquí el video clip de "chirrín chirrán", del primer disco. el cantante es miguel ángel rasalps (el lele).

Pilgrim Souvenir de adrián nómada

foto: carlos cadenes

aLfRedO tRifF

adrián morales, cubano, residente en barcelona, es un artista difícil de clasificar: pinta, escribe, canta, compone, toca instrumentos, produce, crea eventos totales. ¿de qué se trata? no importa la etiqueta. adrián es un artista post-humano, si con ello hablamos de un ahora entre el futuro y el pasado más reciente, lleno de etiquetas --y muchas sobran. morales se plantea una búsqueda sonora más allá del humanismo y el antihumanismo. la música como resorte ideal de síntesis.

el conocido crítico de música cubano Joaquín Borges Triana apunta sobre la obra de adrián:

Hace algunos años que Adrián está grabando una tetralogía ideada sobre el fenónemo de la emigración, verdadera obra conceptual de la cual hasta el presente se han editado los fonogramas Nómada y Ruta sobre ruinas. El primero de dichos álbumes me parece un trabajo excelente en su efoque musical, con una carga conceptual nada habitual en estos días. (Borges Triana, La luz bróder, la luz).

la última producción de adrián nómada se titula Pilgrim Souvenir: Apuntes para una cimática. tampoco es nada habitual.

pilgrim es adrián: viajero post-humano en busca de la verdad. ¿souvenir? digamos, la cosa incorporada a la música: el low-tech, el kitsch, los juguetes, todo objeto ¿olvidado? que suene.

el fonograma abre con "Hentai Raga", de búsquedas especulativas, planos sonoros/capas de recuerdos: acordiones, incantaciones tibetanas, canto flamenco, onomatopeyismos. la coda es electroacústica. una preparación para lo que viene.

"Drume Negrita" toma el centro para la exploración modal acústica de un dúo de guitarras en diálogo contrapuntístico que recuerda el rock de concierto de un king crimson. adrián manipula células rítmico-temáticas que aparecerán luego en otras canciones, dándolo coherencia a la producción. aquí puede apreciarse la técnica guitarrística de adrián, no fácil de encontrar en el típico trovador (salvo raras excepciones).

de "Deca Dance" no puede olvidarse el texto, que rememora el acérbico subtítulo de nietzsche en ecce homo: wie man wird, was man ist (como uno se convierte en lo que uno es). escribe adrián:

ya no te sangra la nariz,

incombustible terror,

fascinados borregos,

no será por no probar,

full time drugstore victim,

encontradamente perdido,

perdidamente encontrado.

"Être nómade" (ser nómada), comienza con un parlamento onomatopéyicamente "daliniano". adrián desarrolla una especie de híbrido global. escuchamos guitarras acústicas, piano y tablá india. irrumpe el alarido distorsionado de la guitarra eléctrica que da pie a exploraciones vocales. adrián aborda el melisma, el grito rockero y el aperto ma coperto casi operático. una suma que adrián-el-nómada llama "electro/psicodelia global".

ya Borges Triana observa esa nomádica de adrián:  

No quiero dedicar este disco ni a la Patria ni a la Humanidad, ni a ninguna ideología ni a ningún sistema, sino a los hombres mismos, a la Gente. (La luz bróder, la luz).

con "Éxtasis" entramos en el campo de la mística, que para adrián es una forma de amor "parasimpático" que,

.... alcanza realidades aparentemente distantes o conscientemente remotas (veladas) para las mentes no listas, que de todas maneras son nuestras aquí y ahora, antes, durante y después... entre lo sagrado y lo profano, la luz y la sombra... (notas al álbum).

"Éxtasis" evoca a la visionaria, filósofa y compositora alemana Hildegard von Bingen. es una exploración de ámbitos modales donde se suman coros sintetizados, pespuntes guitarrísticos y vocalizaciones onomatopéyicas y percusivas, primero como tientos improvisados en pespunte contrapuntístico de tablá y rasgado de guitarras.

la pieza central del álbum es "Sinápsis Libérrima" en honor "al equino Brower", basado en el Elogio de la danza de leo brower. adrián toma células conocidas del elogio, como el mordente aumentado que abre el lento del tiempo I y los tresillos en el 12/8 (que brower siempre interpretaba stacatto sul ponticello). un centro sonoro y conceptual específico que sin serlo, se presenta a sí mismo como un juego.

es decir, adrián juega con la tradición sin tener que romperla -como no dijera leo. 

"Tsunami" abre con una introducción a guitarra sola. son células interdependientes de ritmo ternario, pasajes interesantes marcados por el pulso rock, pero que también incorporan colores de la trova cubana e incluso el renacimiento inglés. justo al final de una cadenza, entra la voz de adrián sobre la armonía en pedal, del falsetto a lo operático y a lo melismático. exploración tan abstracta como lo podría ser una teoría de conjuntos para trovadores. de pronto entran el mar y su espuma, acariciando las rocas de la bahía.

Pilgrim cierra con "La trampa", canción trouvère que se acerca al panteísmo del filósofo baruch spinoza: modalidad vital que transmuta dualismos hacia la afirmación de la vida como potencia inmanente. el puro devenir:

de uno surgió todo, de todo nada, un paso hice camino de una piedra a mi casa, de una hoja hice bosques, de una lágrima océanos... de un suspiro la vida la eternidad en un segundo de tierra, mundo. el universo en la palma de mi mano.  el todo nos mece.   

Pilgrim Souvenir es una obra madura, compleja, ambiciosa y personal, fuera de los moldes consabidos. la recomiendo sin reserva alguna.

Nos hemos convertido en un pueblo que no expresa sus sentimientos, sus sueños, su verdadera opinión sobre el gobierno, que no ejerce la crítica, pero que -como si se tratara de un deporte nacional- practica la hipocresía, la envidia, el odio y el oportunismo

arriba con esas manos compañeros... ¿qué esperan? ¡arriba!

el título del post corresponde a las palabras del escritor angel santiesteban-prats.

santiesteban-prats reporta sobre los resultados del congreso de la UNEAC desde la prisión del asentamiento de lawton, donde cumple una sentencia injusta de cinco años de cárcel. así lo pone el conocido grupo reporteros sin fronteras:

El 8 de diciembre de 2012, tras un proceso arbitrario y precipitado, la Fiscalía declaró culpable a Ángel Santiesteban Prats de los cargos que se le imputaban. Oficialmente, fue condenado a cinco años de cárcel por “violación de domicilio y lesiones”, pese a que no existían pruebas tangibles.

(para colmo, su abogada amelia rodríguez cala fue suspendida de la ONBC organización nacional de bufetes colectivos. por tanto, santiesteban-prats no tiene defensa legal).

es funesta la manera en que la élite de la cultura cubana ha renunciado a su derecho a la crítica. triste su completa sumisión a un gobierno que se proclama infalible e incuestionable y que disfruta de medio siglo de poder absoluto.

santiesteban-prats es contundente. aquí se los dejo:

Otro inútil congreso, y los funcionarios siguen siendo los mismos: aquellos que una vez fueron perseguidos, expulsados, marginados y vejados, pero hoy -cuando los políticos escondieron sus prejuicios- les sirven con la alegría del esclavo al que una vez a la semana le permiten bañarse en el río y por eso cree que es libre.
Si antes tres días de Congreso no fueron suficientes para evitar el deterioro social, y en la actualidad el Estado se ve obligado a considerar el crecimiento desmedido de la delincuencia juvenil, la falta de ética en la vida cívica y la mala educación generalizada, ahora con dos días de planeamientos, solo podemos esperar que la incultura crezca, y que -como un virus- se acomode en la sociedad y haga un estrago mayor.
Nos hemos convertido en un pueblo que no expresa sus sentimientos, sus sueños, su verdadera opinión sobre el gobierno, que no ejerce la crítica, pero que -como si se tratara de un deporte nacional- practica la hipocresía, la envidia, el odio y el oportunismo.

santiesteban-prats es una voz solitaria y valerosa dentro de cuba. y por ello escribe desde la cárcel. 

el miamense adrián lópez con similar prisoners: "cruel by nature"

el músico y compositor adrián lópez acaba de presentar este video titulado "cruel intentions", con su grupo similar prisoners. la música de adrián le hace un guiño a aquella época de oro de los 60, en particular the beatles, pero sería equivocado ver esto como lo mismo de aquello.

lópez se arma de un estilo miami/liverpuliense para presentar un rock fresco, cohesivo, sin más pretensión que la música misma. no estamos necesariamente en miami, sino en la villa global una hora y media después de la postmodernidad. de similar prisoners (free vibora, 2011) comenté:

 El giro neo-sicodélico postbitleriano del álbum no debe sorprendernos. López reside en el Liverpool de Miami más conocido como La Pequeña Habana. Con voz lennoniana, que le daría envidia a otros más autorizados —y emparentados— Julian o Sean, López elabora un sonido post-Magical Mystery Tour, salido del laboratorio experimental de un George Martin, circa 1968.

pero aquella era una producción elucubrada electrónica. ahora tenemos al piquete en vivo. ¡y qué bien suena!

Muere Gabriel García Márquez: El Nobel que más daño ha hecho a Cuba

Rosie Inguanzo

Lo conocí en La Habana en 1993, en el Teatro Hubert de Blanck durante el estreno de El público, de Federico García Lorca, dirigido por Carlos Díaz, y un mágnifico equipo del que poco tiempo después varios actores saldrían al exilio.

¿Qué es digno de vergüenza ajena? Que un Nobel de Literatura, hispanoamericano por demás, haya sido amigo íntimo y gran admirador de Fidel Castro hasta el final. ¿Qué le dice al mundo libre? ¿Qué imagen de Cuba se proyecta al mundo occidental a partir de su apoyo al sistema cubano? 

¿Que fundó la Escuela Internacional de Cine y Televisión en San Antonio de los Baños? ¿Qué intercedió por la libertad de ciertos presos políticos?
Me consta de primera mano que sabía del estado represivo y del Grupo de los 75. Hace pocos años, en casa de Pedrito Portal, el poeta Raúl Rivero me dijo que el Gabo personalmente había gestionado su libertad y salida de la isla. Pero, ¿hemos de agradecerle la diligencia?

Es obvio que no estaba ciego a la realidad cubana sino perfectamente enterado de la represión en Cuba. Luego ¿no se avergonzaba García Márquez de los presos políticos de Castro, su amigo íntimo? ¿Por qué no lo denunciaba internacionalmente como debería hacer cualquier persona decente, periodista de profesión? ¿Acaso quería limpiar su nombre con gestos por debajo de la mesa y de paso aliviar su empercudida conciencia? No me interesa desentrañarlo, preveo una psiquis corrompida.

Soy profesora de literatura y lo enseño, como debe ser, reglamentariamente, por su singularidad, pero no porque me parezca un escritor excelso; pienso que escribió como el hombre que fue: mucha formalidad y poca sustancia (a menos que se entienda por sustancia una militancia ciega de un ojo). Infantilerías las del sobrestimado Macondo; prefiero Comala, La Mancha, el Sur de Borges—al que se llega en un tren que nos deja en tierra de nadie, si acaso en el pasado. Ni por asomo está en mi lista de escritores favoritos. Y no le voy a desear que descanse en paz —soy agnóstica, mas creo que lo bueno está en la vida.

Apuntes adelantados para el duelo

“…se siente nadando en su propio sudor, en una agua viscosa, espesa como estuvo nadando antes de nacer en el útero de su madre”. Ojos de perro azul, p. 20

“…tuvo que restregar el cuerpo con estropajo y jabón para quitarle el mal olor de la muerte, lo vistió con la ropa que él llevaba puesta (...) sintiendo a medida que lo hacía que se iba convirtiendo en el hombre más solitario de la tierra, y por último borró todo rastro de la farsa y prefiguró a la perfección hasta los detalles más ínfimos”. Otoño del patriarca, p. 39

“Era feliz, aunque sabía que estaba muerto, que reposaba para siempre en la caja recubierta de seda artificial. Tenía una gran lucidez (...) era feliz así, solo con su soledad. ¿Sentiría miedo después?”. Ojos de perro azul, p.15-16

“... entonces entreabrió la puerta del dormitorio y se asomó a la sala de audiencias y se vio a sí mismo en cámara ardiente más muerto y más ornamentado que todos los papas muertos...” Otoño del patriarca, p.41

“…al cabo de tantos y tantos años de ilusiones estériles había empezado a vislumbrar que no se vive, que, carajo, se sobrevive, se aprende demasiado tarde, que hasta las vidas más dilatadas y útiles no alcanzan para nada más que para aprender a vivir”. Otoño del patriarca, p. 341-342

“…el sentimiento más nítido que me suscita la idea de mi muerte no es tanto de miedo como de rabia por su tremenda injusticia. Peor aún en un escritor que vive de contar sus experiencias, y que, sin embargo, tiene que vivir resignado al desastre final de no poder contar la más importante y dramática de todas: la experiencia de la muerte”. No se preocupe: tenga miedo, 03-08-83.

Compilación:JR

Sonny Clark: Cool Strutin'

mientras los políticos dialogan, los jóvenes en la calle discuten la realidad del día-a-día.

no se pierdan a este grupo de estudiantes venezolanos en plena discusión callejera con la PNB. el reclamo que hacen es directo, de justicia comunitaria: crimen rampante, corrupción, carencia diaria, colas para todo. un país rico en recursos y sin embargo emprobrecido. un país divido y manipulado por un gobierno que ha comprado su supervivencia a fuerza de alianzas de suministros de petróleo. los políticos dialogan... pero los jóvenes en la calle discuten la realidad del día-a-día. la realidad de cada minuto.

Fifi and Lybia Reloaded - Entrevista a Frank Quintana

Rosie Inguanzo entrevista a Frank Quintana

¿Cómo empezó todo, tu vida en el teatro? ¿Escogiste el teatro o te escogió a ti? 

¡Me escogió! Desde pequeño me gustaba hacer reír e imitar a personajes y escenas de la televisión para mis amistades y familia. Era uno de esos niños “payaso de la clase”. Hacía entrevistas sobre la taza del inodoro alternando como entrevistador y personaje célebre—me di muchos premios. Siempre deseé ser actor; a escondidas de mis padres, quienes no querían que fuera artista, tomé clases de actuación y teatro en Miami Dade College, entre ellas una clase para principiantes con Teresa María Rojas, y me enamoré de la magia del teatro. De una vez me invitó al taller de Prometeo y fue como entrar en un lugar sagrado. Hice ejercicios y me involucré en las producciones hasta que protagonicé Jacobo o La Sumisión, de Ionesco, dirigida por Larry Villanueva. Desde entonces nunca dejé de hacer teatro. ¡Me enamoré! Se convirtió en mi pasión, mi refugio, y por cursi que suene, mi salvación. El teatro me dio un propósito más grande que yo mismo.

¿Qué ha significado dirigir para ti? 

Descubrí la dirección de manera intuitiva, en el taller de Prometeo. Empecé a dirigir escenas con buenas críticas y un buen día, penando una ruptura amorosa, escribí Fifi and Lybia, para plasmar y sacar todo aquello de adentro, el dolor y la confusión; tratando de darle sentido y significado para no sufrir en vano, sin fruto… y di luz a este pieza, que sigue viva.

¿Hay tipos de actores? ¿Cuáles prefieres? 

Prefiero los actores que interiorizan, apasionados, entregados, orgánicos, disciplinados, trabajadores y con talento o “maderamen”, como decía el maestro Francisco Morín.

¿Cuál personaje te ha gustado más encarnar? 

Rosita, en Fango Negro, que hicimos en Prometeo en un autobús ambulante; ahí pude darle riendas sueltas a mi forte, que es mi vis cómica, aprendí a soltarme e interactuar con el público. A Jacobo también le tengo mucho amor, porque fue el primer personaje que interpreté en Prometeo, donde descubrí penetrar a un personaje, encarnarlo. Porque ser actor es dar vida a otros seres, entender la piel del otro, amar a la humanidad.

¿Cómo crees que ha evolucionado el teatro en Miami? 

Sigue creciendo… pero aún creo que carece… carece.

¿Cuál es mejor consejo que das a un actor? 

Entrega total, rendirse al personaje, no se puede intelectualizar, hay que entregarse de lleno, con todo los sentidos, convertir al personaje en una obsesión.

Háblame sobre la obra y el equipo, ¿quiénes son los actores? 

Fifi y Lybia son dos chicas excéntricas, extremadamente individualistas y nada convencionales. Son además complementarias, ying yang, las dos máscaras del teatro… enfrentadas ambas a lo incógnito de esta vida, ayudándose en darle algún significado al absurdo existencial. La obra es una tragicomedia que trae saudade, absurdo, pinceladas sentimentales. En la nota de prensa puede leerse:

“Fifi y Lybia Reloaded (recién recargaditas), cuenta la historia de dos excéntricas mujeres que viven entre lo real y lo fantástico. La obra de Quintana abarca reflexiones sociales y filosóficas, algo absurdas, pero siempre salpicadas de fino humor negro. ¡Acompáñennos! Gina Díaz, como Fifí, Vanessa Elise como Lybia y Jair Bula como Tomatico. Será un juego teatral casi casi alucinante.”

A Fifi la interpreta Gina Díaz, una actriz colombiana con una dedicación admirable. Lybia es interpretada por Vanessa Elise, una actriz con una sorprendente organicidad. Jair Bula, con quien he trabajado antes en Prometeo en Ms. Tessa Triff has been drinking!, es “El hombre en la televisión” y Tomatico, dos personajes delirantes y deliciosos.
El productor Santi Sierra, también ex Prometeico —nos encontramos en Facebook, me recordó la obra cuando estrenó en Prometeo en el 2000 y me propuso producirla. Mis asistentes de dirección (a quienes les estoy muy agradecido), son Bona Jesurum, una amiga leal (quien fuera asistente de dirección de Teresa y mía en el antiguo Prometeo), y Carmen Rubio. Es como una especie de reunión de ex Prometeicos, conspiradores, ángeles en este viaje. Todos colaboran por amor al teatro, dando de su tiempo y de sí. De pura fe y generosidad, Yoshvani Medina y Yenilen Mola nos han abierto las puertas de su teatro ArtSpoken.

¿Qué autores han marcado tu dramaturgia? 

Me han marcado Christopher Durang, A.R. Gurney (traduje y dirigí su pieza The Rape of Bunny Stuntz o La Violación de Bona Cortada); Dorothy Parker (también escribí y dirigí una pieza en Los Ángeles inspirada en su trabajo e incorporando, hilvanando retazos de su obra: An Evening with Dottie; Abelardo Estorino, Virgilio Piñera, César Vallejo, también Fellini, Derek Jarman y Almodóvar…ahora mismo tengo de cabecera a Sylvia Plath, Pura del Prado y Marguerite Duras… como mis protagonistas, que son mujeres apasionadas, enamoradas, risueñas, trágicas, suicidas. Porque estoy con los desplazados, los oprimidos o reprimidos, los underdogs. Me han marcado mi maestra Teresa María Rojas y me has marcado tú. Dirijo como actor, sintiendo los personajes, imaginando sus monólogos interiores, agregándole el ojo estético y el ritmo, mi ritmo, lo delirante y lo patético.

la protesta del pueblo venezolano: valor, arte y performatividad

a raíz de las brutales golpizas a estudiantes en la UCV por parte de grupos paramilitares maduristas, donde varios estudiantes fueron desnudados y humillados, la juventud venezolana improvisa esta marcha desnuda en pleno caracas. parecería un performance coordinado por un curador en cualquier ciudad europea. pero no, se trata de una protesta que conlleva riesgos. la vulnerabilidad contra la fuerza bruta. la piel desnuda contra el casco y la porra. el valor del pueblo venezolano demuestra que sí hay arte en la protesta, que la política puede ser también arte.

Juana Molina - Un día

Ave rara en el panorama rockero sudamericano, la argentina Juana Molina muestra una trayectoria desigual. Su cosecha ha cedido por momentos al edulcoramiento pop. Dicho en otras palabras: discos buenos, discos malos. Y es esa deslealtad hacia con su inequívoco talento la que quizás ha postergado el reconocimiento extendido. Portadora de una voz aniñada que combina el regodeo vocal con la tecnología, Juana es una compositora de recursos exóticos que recrea el universo folk porteño a partir de guitarra, teclados y el uso astuto de los pedales para los efectos tecno. Trabaja sobre la letanía de los compases emprendiendo coloraciones curiosas que quiebran los esquemas tradicionales a la manera de Portishead, Björk y Bajofondo Tango Club. Los críticos acusan en ella deficiencias en la vocalización aventurera, pero lo cierto es que impone su rareza y si se le añade el compromiso de las letras nos topamos con una identidad peculiar, mezcla de ejecución naif y espíritu hippie que en sus momentos inspirados sabe conducir lúcidamente las herramientas electroacústicas que la rodean. Al margen de las reiteraciones en su repertorio melódico, se constata un balance de búsqueda experimental y quienes se estrenan escuchándola descubren que en el sur americano queda aún bastante madeja sonora por deshilar. (JR)

tupa-maduradas

La comunicadora social Vicelyz Fadul, residente del estado Carabobo, denuncia que el pasado jueves 27 de marzo fue amenazada por emitir opiniones a través de la red social Twitter

Fadul encontró el panfleto (arriba) en el parabrisas de su vehículo, por medio del cual la Operación Defensa de la Revolución Socialista, Antiimperialista, Chavista y Madurista, le da un ultimátum señalando que ha sido identificada como una de esas periodistas que se ha dado la tarea de denuncias por Twitter y por otros medios las labores de nuestros cuerpos de defensa.

"Doble vía" de Yovani Bauta (continuación)

Yovani Bauta, con más de treinta exposiciones personales y colectivas nos presenta una obra de profunda naturaleza Neo-expresionista donde apreciamos la influencia de los pintores ingleses Francis Bacon y Lucian Freud. De Bacon asimila su modo de trabajar la figura humana en el cuadro así como su capacidad para mostrar la inquietud humana y del segundo, Lucian Freud; toma su sentido y habilidad para pintar a las personas por lo que son y no por lo que quisieran ser, según las propias palabras del pintor de origen judeo-alemán, nieto del conocido padre del psicoanálisis Sigmund Freud.

El conjunto de las obras de Bauta, que pudieran agruparse bajo el título “rojo intenso” muestran un dominio excepcional de la representación figurativa y del uso inteligente de este subido tono de rojo en función de cada uno de los momentos que captan las obras. La espera, por ejemplo muestra la recia personalidad de una mujer madura, segura de sí misma, que apoya su mano en el mentón, mientras parece estar enfrascada en una entretenida conversación en la que su desnudez es el menor de los problemas. Todo parece fluir naturalmente en su entorno, donde el rojo enaltece su majestuoso temperamento. Make-up, por otra parte, captura el momento en que una mujer, se arregla su cabello, con una camisa blanca semi-abierta, sin zapatos, mientras observa distraída una pared; una franja roja atraviesa toda la pieza como un rayo de sol penetrante que destaca el desnudo femenino en ese preciso instante en que se salta de la cama y se deambula por la casa, sin otro propósito que no sea el de alistarse para salir. La tomatina, otra de las piezas de gran formato, exhibe el torso y el rostro sonriente de un joven al que le han lanzado tomates y estalla en una risa jubilosa, amplificada por la intensidad del rojo del fondo y de los tomates que parecen explotar en la “pared del lienzo”. El pescador, obra de grandes dimensiones, sugiere ideas sobre la existencia, la introspección, la meditación, la soledad, la individualidad, el silencio y la confrontación del individuo con su yo interno. El fuerte contraste entre la blancura del cuerpo del individuo y su entorno rojo, atravesado por una leve mancha amarilla, refuerza la idea de pureza y verdad del encuentro del hombre consigo mismo en que la desnudez del cuerpo coincide con la “desnudez del alma”.

Cada una de las obras de pequeño formato de Bauta, revela a un protagonista diferente capaz de mostrar un universo íntimamente conectado con el modo en que es pintado. Todos estos personajes tienen el denominador común de ser representados desnudos, despojados de cualquier señal que los asocie a una clase o sector social determinados. El pintor consigue, en todo este conjunto de obras en las que el desnudo es una constante, mostrar las esencias del alma de estos seres humanos. Esa conocida frase “todos somos iguales ante Dios” se aplica con precisión matemática en estas obras. Toda referencia atávica es eliminada en función de revelar un aspecto específico de los personajes representados.

La obra de Yovani Bauta se sitúa en una dimensión diferente a las de sus referentes visuales Francis Bacon y Lucian Freud porque se adueña de un estilo que elude a la angustia y la percepción trágica que invade toda la obra de Bacon y la desdramatización existencial de Freud. En la obra de Yovani se aprecia un cierto goce de la vida en los modelos que pinta y su apropiación del rojo invita más al significado celebrativo que tiene en las culturas orientales que a la lectura trágica que se hace del uso de este color en la cultura occidental. Su rojo resplandece, enfatiza, revela, desenmascara y gratifica.

El joven Yunier Gómez Torres, natural de Remedios en Santa Clara, Cuba, recorre un camino que bebe en otras fuentes del arte contemporáneo. El referente aquí será el Bad Painting, corriente pictórica que aparece a finales de los años setenta entre cuyas figuras más celebres se encuentran los artistas Jean-Michel Basquiat y Julian Schnabel. Esta tendencia considerada como Neo-expresionista toma prestado elementos de los graffitti, las frases de los tatuajes, los escritos en los pupitres de las escuelas, el lenguaje de los presos en las cárceles, las frases escritas en las puertas de los baños públicos, así como los mensajes grabados en los troncos de los árboles.

En este tipo de arte, los trazos son más libres y las obras espontáneamente se desmarcan de cualquier intento de representación realista, porque lo que importa es la referencia irónica a ese repertorio callejero del cual se alimenta toda la obra. Los títulos de las piezas retozan con esa jerga callejera de frases acuñadas que apuntan a las relaciones sentimentales: No entiendo de amor; Por mucho que te amo, siento que te odio; Otra estúpida noche de amor; Me hieres y dices que me quieres; El amor es un sentimiento.

Una pequeña corona constituye un motivo recurrente en los cuadros que, de acuerdo a las palabras del pintor, está asociada a la idea que algunas personas tienen de sí misma al sentirse mejores que otros; dueños del mundo; “reyes y reinas de ocasión”, resueltamente arrogantes y altivos entrampados en la exclusividad de la percepción que tienen de sí mismos y de la relación que piensan que los demás deben tener con ellos.

Otros elementos visuales como corazones sangrantes, copas, animales de cabeza, perritos callejeros, cuchillos y flechas que atraviesan corazones, componen las claves de un quehacer pictórico que se apropia de ellos para subvertirlos en este juego con un mundo cargado de mensajes portadores de una afectividad intensa que se inserta en un lenguaje simple y estereotipado donde el discurso repetitivo despoja de todo valor la condición sublime del amor.

Ambos artistas exploran caminos neo-expresionistas donde el ser humano es el foco de atención y las infinitas maneras en que interactúan con su entorno, el escenario, la “pieza teatral” de su cotidiana existencia.

Maria C. Cumana,

Critica de arte,

Profesora adjunta, Miami Dade College.