domingo, 27 de abril de 2014

Pilgrim Souvenir de adrián nómada

foto: carlos cadenes

aLfRedO tRifF

adrián morales, cubano, residente en barcelona, es un artista difícil de clasificar: pinta, escribe, canta, compone, toca instrumentos, produce, crea eventos totales. ¿de qué se trata? no importa la etiqueta. adrián es un artista post-humano, si con ello hablamos de un ahora entre el futuro y el pasado más reciente, lleno de etiquetas --y muchas sobran. morales se plantea una búsqueda sonora más allá del humanismo y el antihumanismo. la música como resorte ideal de síntesis.

el conocido crítico de música cubano Joaquín Borges Triana apunta sobre la obra de adrián:
Hace algunos años que Adrián está grabando una tetralogía ideada sobre el fenónemo de la emigración, verdadera obra conceptual de la cual hasta el presente se han editado los fonogramas Nómada y Ruta sobre ruinas. El primero de dichos álbumes me parece un trabajo excelente en su efoque musical, con una carga conceptual nada habitual en estos días. (Borges Triana, La luz bróder, la luz).
la última producción de adrián nómada se titula Pilgrim Souvenir: Apuntes para una cimática. tampoco es nada habitual.

pilgrim es adrián: viajero post-humano en busca de la verdad. ¿souvenir? digamos, la cosa incorporada a la música: el low-tech, el kitsch, los juguetes, todo objeto ¿olvidado? que suene.

el fonograma abre con "Hentai Raga", de búsquedas especulativas, planos sonoros/capas de recuerdos: acordiones, incantaciones tibetanas, canto flamenco, onomatopeyismos. la coda es electroacústica. una preparación para lo que viene.

"Drume Negrita" toma el centro para la exploración modal acústica de un dúo de guitarras en diálogo contrapuntístico que recuerda el rock de concierto de un king crimson. adrián manipula células rítmico-temáticas que aparecerán luego en otras canciones, dándolo coherencia a la producción. aquí puede apreciarse la técnica guitarrística de adrián, no fácil de encontrar en el típico trovador (salvo raras excepciones).

de "Deca Dance" no puede olvidarse el texto, que rememora el acérbico subtítulo de nietzsche en ecce homo: wie man wird, was man ist (como uno se convierte en lo que uno es). escribe adrián:

ya no te sangra la nariz,
incombustible terror,
fascinados borregos,
no será por no probar,
full time drugstore victim,
encontradamente perdido,
perdidamente encontrado.

"Être nómade" (ser nómada), comienza con un parlamento onomatopéyicamente "daliniano". adrián desarrolla una especie de híbrido global. escuchamos guitarras acústicas, piano y tablá india. irrumpe el alarido distorsionado de la guitarra eléctrica que da pie a exploraciones vocales. adrián aborda el melisma, el grito rockero y el aperto ma coperto casi operático. una suma que adrián-el-nómada llama "electro/psicodelia global".

ya Borges Triana observa esa nomádica de adrián:  
No quiero dedicar este disco ni a la Patria ni a la Humanidad, ni a ninguna ideología ni a ningún sistema, sino a los hombres mismos, a la Gente. (La luz bróder, la luz).
con "Éxtasis" entramos en el campo de la mística, que para adrián es una forma de amor "parasimpático" que,
.... alcanza realidades aparentemente distantes o conscientemente remotas (veladas) para las mentes no listas, que de todas maneras son nuestras aquí y ahora, antes, durante y después... entre lo sagrado y lo profano, la luz y la sombra... (notas al álbum).
"Éxtasis" evoca a la visionaria, filósofa y compositora alemana Hildegard von Bingen. es una exploración de ámbitos modales donde se suman coros sintetizados, pespuntes guitarrísticos y vocalizaciones onomatopéyicas y percusivas, primero como tientos improvisados en pespunte contrapuntístico de tablá y rasgado de guitarras.

la pieza central del álbum es "Sinápsis Libérrima" en honor "al equino Brower", basado en el Elogio de la danza de leo brower. adrián toma células conocidas del elogio, como el mordente aumentado que abre el lento del tiempo I y los tresillos en el 12/8 (que brower siempre interpretaba stacatto sul ponticello). un centro sonoro y conceptual específico que sin serlo, se presenta a sí mismo como un juego.

es decir, adrián juega con la tradición sin tener que romperla -como no dijera leo. 

"Tsunami" abre con una introducción a guitarra sola. son células interdependientes de ritmo ternario, pasajes interesantes marcados por el pulso rock, pero que también incorporan colores de la trova cubana e incluso el renacimiento inglés. justo al final de una cadenza, entra la voz de adrián sobre la armonía en pedal, del falsetto a lo operático y a lo melismático. exploración tan abstracta como lo podría ser una teoría de conjuntos para trovadores. de pronto entran el mar y su espuma, acariciando las rocas de la bahía.

Pilgrim cierra con "La trampa", canción trouvère que se acerca al panteísmo del filósofo baruch spinoza: modalidad vital que transmuta dualismos hacia la afirmación de la vida como potencia inmanente. el puro devenir:
de uno surgió todo, de todo nada, un paso hice camino de una piedra a mi casa, de una hoja hice bosques, de una lágrima océanos... de un suspiro la vida la eternidad en un segundo de tierra, mundo. el universo en la palma de mi mano.  el todo nos mece.   
Pilgrim Souvenir es una obra madura, compleja, ambiciosa y personal, fuera de los moldes consabidos. la recomiendo sin reserva alguna.

lunes, 21 de abril de 2014

Nos hemos convertido en un pueblo que no expresa sus sentimientos, sus sueños, su verdadera opinión sobre el gobierno, que no ejerce la crítica, pero que -como si se tratara de un deporte nacional- practica la hipocresía, la envidia, el odio y el oportunismo

arriba con esas manos compañeros... ¿qué esperan? ¡arriba!

el título del post corresponde a las palabras del escritor angel santiesteban-prats.

santiesteban-prats reporta sobre los resultados del congreso de la UNEAC desde la prisión del asentamiento de lawton, donde cumple una sentencia injusta de cinco años de cárcel. así lo pone el conocido grupo reporteros sin fronteras:
El 8 de diciembre de 2012, tras un proceso arbitrario y precipitado, la Fiscalía declaró culpable a Ángel Santiesteban Prats de los cargos que se le imputaban. Oficialmente, fue condenado a cinco años de cárcel por “violación de domicilio y lesiones”, pese a que no existían pruebas tangibles.
(para colmo, su abogada amelia rodríguez cala fue suspendida de la ONBC organización nacional de bufetes colectivos. por tanto, santiesteban-prats no tiene defensa legal).

es funesta la manera en que la élite de la cultura cubana ha renunciado a su derecho a la crítica. triste su completa sumisión a un gobierno que se proclama infalible e incuestionable y que disfruta de medio siglo de poder absoluto.

santiesteban-prats es contundente. aquí se los dejo:
Otro inútil congreso, y los funcionarios siguen siendo los mismos: aquellos que una vez fueron perseguidos, expulsados, marginados y vejados, pero hoy -cuando los políticos escondieron sus prejuicios- les sirven con la alegría del esclavo al que una vez a la semana le permiten bañarse en el río y por eso cree que es libre.
Si antes tres días de Congreso no fueron suficientes para evitar el deterioro social, y en la actualidad el Estado se ve obligado a considerar el crecimiento desmedido de la delincuencia juvenil, la falta de ética en la vida cívica y la mala educación generalizada, ahora con dos días de planeamientos, solo podemos esperar que la incultura crezca, y que -como un virus- se acomode en la sociedad y haga un estrago mayor.
Nos hemos convertido en un pueblo que no expresa sus sentimientos, sus sueños, su verdadera opinión sobre el gobierno, que no ejerce la crítica, pero que -como si se tratara de un deporte nacional- practica la hipocresía, la envidia, el odio y el oportunismo.
santiesteban-prats es una voz solitaria y valerosa dentro de cuba. y por ello escribe desde la cárcel. 

domingo, 20 de abril de 2014

el miamense adrián lópez con similar prisoners: "cruel by nature"



el músico y compositor adrián lópez acaba de presentar este video titulado "cruel intentions", con su grupo similar prisoners. la música de adrián le hace un guiño a aquella época de oro de los 60, en particular the beatles, pero sería equivocado ver esto como lo mismo de aquello.

lópez se arma de un estilo miami/liverpuliense para presentar un rock fresco, cohesivo, sin más pretensión que la música misma. no estamos necesariamente en miami, sino en la villa global una hora y media después de la postmodernidad. de similar prisoners (free vibora, 2011) comenté:
 El giro neo-sicodélico postbitleriano del álbum no debe sorprendernos. López reside en el Liverpool de Miami más conocido como La Pequeña Habana. Con voz lennoniana, que le daría envidia a otros más autorizados —y emparentados— Julian o Sean, López elabora un sonido post-Magical Mystery Tour, salido del laboratorio experimental de un George Martin, circa 1968.
pero aquella era una producción elucubrada electrónica. ahora tenemos al piquete en vivo. ¡y qué bien suena!

jueves, 17 de abril de 2014

Muere Gabriel García Márquez: El Nobel que más daño ha hecho a Cuba


Rosie Inguanzo

Lo conocí en La Habana en 1993, en el Teatro Hubert de Blanck durante el estreno de El público, de Federico García Lorca, dirigido por Carlos Díaz, y un mágnifico equipo del que poco tiempo después varios actores saldrían al exilio.

¿Qué es digno de vergüenza ajena? Que un Nobel de Literatura, hispanoamericano por demás, haya sido amigo íntimo y gran admirador de Fidel Castro hasta el final. ¿Qué le dice al mundo libre? ¿Qué imagen de Cuba se proyecta al mundo occidental a partir de su apoyo al sistema cubano? 

¿Que fundó la Escuela Internacional de Cine y Televisión en San Antonio de los Baños? ¿Qué intercedió por la libertad de ciertos presos políticos?
Me consta de primera mano que sabía del estado represivo y del Grupo de los 75. Hace pocos años, en casa de Pedrito Portal, el poeta Raúl Rivero me dijo que el Gabo personalmente había gestionado su libertad y salida de la isla. Pero, ¿hemos de agradecerle la diligencia?

Es obvio que no estaba ciego a la realidad cubana sino perfectamente enterado de la represión en Cuba. Luego ¿no se avergonzaba García Márquez de los presos políticos de Castro, su amigo íntimo? ¿Por qué no lo denunciaba internacionalmente como debería hacer cualquier persona decente, periodista de profesión? ¿Acaso quería limpiar su nombre con gestos por debajo de la mesa y de paso aliviar su empercudida conciencia? No me interesa desentrañarlo, preveo una psiquis corrompida.

Soy profesora de literatura y lo enseño, como debe ser, reglamentariamente, por su singularidad, pero no porque me parezca un escritor excelso; pienso que escribió como el hombre que fue: mucha formalidad y poca sustancia (a menos que se entienda por sustancia una militancia ciega de un ojo). Infantilerías las del sobrestimado Macondo; prefiero Comala, La Mancha, el Sur de Borges—al que se llega en un tren que nos deja en tierra de nadie, si acaso en el pasado. Ni por asomo está en mi lista de escritores favoritos. Y no le voy a desear que descanse en paz —soy agnóstica, mas creo que lo bueno está en la vida.

Apuntes adelantados para el duelo


“…se siente nadando en su propio sudor, en una agua viscosa, espesa como estuvo nadando antes de nacer en el útero de su madre”. Ojos de perro azul, p. 20

“…tuvo que restregar el cuerpo con estropajo y jabón para quitarle el mal olor de la muerte, lo vistió con la ropa que él llevaba puesta (...) sintiendo a medida que lo hacía que se iba convirtiendo en el hombre más solitario de la tierra, y por último borró todo rastro de la farsa y prefiguró a la perfección hasta los detalles más ínfimos”. Otoño del patriarca, p. 39

“Era feliz, aunque sabía que estaba muerto, que reposaba para siempre en la caja recubierta de seda artificial. Tenía una gran lucidez (...) era feliz así, solo con su soledad. ¿Sentiría miedo después?”. Ojos de perro azul, p.15-16

“... entonces entreabrió la puerta del dormitorio y se asomó a la sala de audiencias y se vio a sí mismo en cámara ardiente más muerto y más ornamentado que todos los papas muertos...” Otoño del patriarca, p.41

“…al cabo de tantos y tantos años de ilusiones estériles había empezado a vislumbrar que no se vive, que, carajo, se sobrevive, se aprende demasiado tarde, que hasta las vidas más dilatadas y útiles no alcanzan para nada más que para aprender a vivir”. Otoño del patriarca, p. 341-342

“…el sentimiento más nítido que me suscita la idea de mi muerte no es tanto de miedo como de rabia por su tremenda injusticia. Peor aún en un escritor que vive de contar sus experiencias, y que, sin embargo, tiene que vivir resignado al desastre final de no poder contar la más importante y dramática de todas: la experiencia de la muerte”. No se preocupe: tenga miedo, 03-08-83.

Compilación:JR

domingo, 13 de abril de 2014

Néstor Almendros o Retrato de un artista informe


Néstor Almendros
Sergio Giral

Conocí a Néstor Almendros en 1958, mientras trabajábamos juntos como camareros en el café Playhouse, en la calle McDouglas del Greenwich Village de New York. Hablábamos de cine y nos hicimos buenos amigos, pero nunca llegué a sospechar que aquel joven de acento español y seis pies de altura fuera a ser uno de los fotógrafos más importantes de la cinematografía internacional. Un artista inconforme que buscó a lo largo de su vida un asidero a su espiritualidad y valores humanos. Y uno de los personajes que más ha decidido en mi vida artística.

Néstor Almendros Cuyás nació el 30 de octubre de 1930 en Barcelona, España, el menor de tres hermanos, en una familia de afiliación republicana. Los acontecimientos que desataron el poder franquista en España llevó a la familia Almendros al exilio en Cuba, en 1948. Este fue el primer exilio de Néstor. En la Habana formó parte de cine-clubs y escribió críticas de cine, mientras estudiaba en la universidad. Sus contradicciones con el gobierno dictatorial de Batista y su pasión por el cine le hicieron abandonar la isla y viajar a New York, donde estudió edición cinematográfica en el New York's City College. Inquieto en su constante búsqueda de la imagen en movimiento, regresó a Europa, para ingresar en el Centro Sperimentale di Cinematografía, en Roma, donde perfeccionó sus experiencias como fotógrafo. Néstor veía al mundo a través de un lente, pero no el de su cámara sino el de su propia naturaleza.

Luego regresa a New York y realiza un corto de 8 minutos en 16mm ya con títulos de crédito y la palabra FIN, titulado 58-59, donde vaticina el triunfo de la revolución cubana. Esto lo movió a regresar a Cuba en busca de un posible sistema de justicia social que su familia le inculcara desde niño. Lo que Néstor no previó fue la avalancha censora del sistema que ahogaría su espíritu creador.

Reencontré a Nestor en 1962, ya convertido en un director de fotografía profesional, produciendo sus propios cortos en el Instituto de Cine Cubano (ICAIC). El reencuentro fue muy fructífero, porque me ofreció trabajar en el ICAIC para que yo pudiera llevar a la práctica mi pasión por el cine. Así fue que ingresé en el ICAIC e inicié mi carrera como cineasta, hasta mi partida definitiva de Cuba en 1991.

Durante su estancia en Cuba Nestor rodó muchas películas informativas y documentales sobre proyectos de gobierno, reforma agraria, higiene y educación. Junto a Tomás Gutiérrez Alea realizó en 8mm Una confusión cotidiana, y solo ayudado por su hermano Sergio, Gente en la playa, un delicioso cinema verite de la playa popular La Concha, con Vicentico Valdés en el sound track (corto que sería su pasaporte más tarde para el Cine europeo).

Néstor Almendros y Orlando Jiménez Leal

La censura y prohibición del los cortos PM, de Sabá Cabrera Infante y Orlando Jiménez Leal, y Gente en la Playa, del propio Néstor, por el gobierno cubano, engedraron contradicciones entre un grupo de intelectuales y artistas con el régimen. Sabido es que dió lugar al primer encuentro de Fidel Castro con el mundo cultural de La Habana, y su lapidario discurso, “Palabras a los Intelectuales”, donde definió la política cultural del país: “Con la revolución todo, contra la revolución nada”. Estos hechos catapultaron a Néstor fuera del la isla. Esta vez, para siempre. Nat Chediack, quien fuera director del Festival de Cine de Miami y amigo personal suyo hasta sus últimas horas, atestigua en mi documental La Imagen Rota, los tres exilios del artista.

Europa acogió a Nestor nuevamente. Durante los años 60 colaboró con Eric Rohmer, Francois Truffaut y otros cineastas de la Nueva Ola Francesa. Esta reputación lo llevó a Hollywood; la meca del cine universal le abrió sus puertas y le tendió una alfombra roja para su total desarrollo artístico. Su talento finalmente obtuvo su merecido con un Oscar de la Academia por la fotografía en el filme de Terrece Malick, Days of Heaven, en 1978, donde perfeccionó su técnica de depender de la luz disponible, lo que él llamó "luz natural", y rodar con la luz minutos previos a la puesta del sol, a la que llamó "la hora mágica". En una entrevista en Los Angeles Times que data de 1978, mientras filmaba Days of Heaven, definió su técnica así: "Como con el impresionismo, cuando los tubos fueron inventados permitieron a los pintores ir al aire libre y atrapar la luz natural." Otros filmes fotografiados por él, Sophie's Choice, Blue Lagoon y Kremer vs. Kramer, también fueron nominados al premio de la Academia.
Kim Novak, Néstor Almendros, James Coburn

A lo largo de su carrera Néstor obtuvo varios premios internacionales. En 1980 gana el Cesar por The Last Metro, de Francois Truffaut. En 1982 plasmó sus experiencias cinematográficas en su libro sobre fotografía de cine, Un Homme a la Camera. En 1984 fue condecorado La Legión de Honor Chevalier, Orden de las Artes y las Letras Francesas, por dirigir junto a Orlando Jiménez Leal, Conducta Impropia, recia denuncia de la persecusión de homosexuales por el gobierno de Castro. Más tarde, coproduce y coescribe con el cineasta Jorge Ulla, Nadie Escuchaba, sobre la represión y las violaciones de los derechos humanos en Cuba.

Su exitosa carrera fue tronchada por el SIDA que destruyó su organismo con un cáncer linfático. Fue entonces, durante su extendida y dolorosa enfermedad, que mi vida se vuelve a entroncar con la de Néstor. Después de un larga jornada como director de cine en Cuba llega el momento de mi desilusión, no tan temprana como la suya pero igual de auténtica. Mis deseos de salir de la isla y regresar a los EE.UU. hacen eco en sus oídos ya debilitados por la enfermedad, pero suficientemente receptivos como para tenderme un nuevo puente salvador de mi carrera y mi libertad individual. Néstor Almendros murió el 4 de marzo de 1992, en New York.

sábado, 12 de abril de 2014

mientras los políticos dialogan, los jóvenes en la calle discuten la realidad del día-a-día.



no se pierdan a este grupo de estudiantes venezolanos en plena discusión callejera con la PNB. el reclamo que hacen es directo, de justicia comunitaria: crimen rampante, corrupción, carencia diaria, colas para todo. un país rico en recursos y sin embargo emprobrecido. un país divido y manipulado por un gobierno que ha comprado su supervivencia a fuerza de alianzas de suministros de petróleo. los políticos dialogan... pero los jóvenes en la calle discuten la realidad del día-a-día. la realidad de cada minuto.

martes, 8 de abril de 2014

Fifi and Lybia Reloaded - Entrevista a Frank Quintana


Rosie Inguanzo entrevista a Frank Quintana

¿Cómo empezó todo, tu vida en el teatro? ¿Escogiste el teatro o te escogió a ti? 

¡Me escogió! Desde pequeño me gustaba hacer reír e imitar a personajes y escenas de la televisión para mis amistades y familia. Era uno de esos niños “payaso de la clase”. Hacía entrevistas sobre la taza del inodoro alternando como entrevistador y personaje célebre—me di muchos premios. Siempre deseé ser actor; a escondidas de mis padres, quienes no querían que fuera artista, tomé clases de actuación y teatro en Miami Dade College, entre ellas una clase para principiantes con Teresa María Rojas, y me enamoré de la magia del teatro. De una vez me invitó al taller de Prometeo y fue como entrar en un lugar sagrado. Hice ejercicios y me involucré en las producciones hasta que protagonicé Jacobo o La Sumisión, de Ionesco, dirigida por Larry Villanueva. Desde entonces nunca dejé de hacer teatro. ¡Me enamoré! Se convirtió en mi pasión, mi refugio, y por cursi que suene, mi salvación. El teatro me dio un propósito más grande que yo mismo.

¿Qué ha significado dirigir para ti? 

Descubrí la dirección de manera intuitiva, en el taller de Prometeo. Empecé a dirigir escenas con buenas críticas y un buen día, penando una ruptura amorosa, escribí Fifi and Lybia, para plasmar y sacar todo aquello de adentro, el dolor y la confusión; tratando de darle sentido y significado para no sufrir en vano, sin fruto… y di luz a este pieza, que sigue viva.

¿Hay tipos de actores? ¿Cuáles prefieres? 

Prefiero los actores que interiorizan, apasionados, entregados, orgánicos, disciplinados, trabajadores y con talento o “maderamen”, como decía el maestro Francisco Morín.

¿Cuál personaje te ha gustado más encarnar? 

Rosita, en Fango Negro, que hicimos en Prometeo en un autobús ambulante; ahí pude darle riendas sueltas a mi forte, que es mi vis cómica, aprendí a soltarme e interactuar con el público. A Jacobo también le tengo mucho amor, porque fue el primer personaje que interpreté en Prometeo, donde descubrí penetrar a un personaje, encarnarlo. Porque ser actor es dar vida a otros seres, entender la piel del otro, amar a la humanidad.

¿Cómo crees que ha evolucionado el teatro en Miami? 

Sigue creciendo… pero aún creo que carece… carece.

¿Cuál es mejor consejo que das a un actor? 

Entrega total, rendirse al personaje, no se puede intelectualizar, hay que entregarse de lleno, con todo los sentidos, convertir al personaje en una obsesión.

Háblame sobre la obra y el equipo, ¿quiénes son los actores? 

Fifi y Lybia son dos chicas excéntricas, extremadamente individualistas y nada convencionales. Son además complementarias, ying yang, las dos máscaras del teatro… enfrentadas ambas a lo incógnito de esta vida, ayudándose en darle algún significado al absurdo existencial. La obra es una tragicomedia que trae saudade, absurdo, pinceladas sentimentales. En la nota de prensa puede leerse:

Fifi y Lybia Reloaded (recién recargaditas), cuenta la historia de dos excéntricas mujeres que viven entre lo real y lo fantástico. La obra de Quintana abarca reflexiones sociales y filosóficas, algo absurdas, pero siempre salpicadas de fino humor negro. ¡Acompáñennos! Gina Díaz, como Fifí, Vanessa Elise como Lybia y Jair Bula como Tomatico. Será un juego teatral casi casi alucinante.”

A Fifi la interpreta Gina Díaz, una actriz colombiana con una dedicación admirable. Lybia es interpretada por Vanessa Elise, una actriz con una sorprendente organicidad. Jair Bula, con quien he trabajado antes en Prometeo en Ms. Tessa Triff has been drinking!, es “El hombre en la televisión” y Tomatico, dos personajes delirantes y deliciosos.
El productor Santi Sierra, también ex Prometeico —nos encontramos en Facebook, me recordó la obra cuando estrenó en Prometeo en el 2000 y me propuso producirla. Mis asistentes de dirección (a quienes les estoy muy agradecido), son Bona Jesurum, una amiga leal (quien fuera asistente de dirección de Teresa y mía en el antiguo Prometeo), y Carmen Rubio. Es como una especie de reunión de ex Prometeicos, conspiradores, ángeles en este viaje. Todos colaboran por amor al teatro, dando de su tiempo y de sí. De pura fe y generosidad, Yoshvani Medina y Yenilen Mola nos han abierto las puertas de su teatro ArtSpoken.

¿Qué autores han marcado tu dramaturgia? 

Me han marcado Christopher Durang, A.R. Gurney (traduje y dirigí su pieza The Rape of Bunny Stuntz o La Violación de Bona Cortada); Dorothy Parker (también escribí y dirigí una pieza en Los Ángeles inspirada en su trabajo e incorporando, hilvanando retazos de su obra: An Evening with Dottie; Abelardo Estorino, Virgilio Piñera, César Vallejo, también Fellini, Derek Jarman y Almodóvar…ahora mismo tengo de cabecera a Sylvia Plath, Pura del Prado y Marguerite Duras… como mis protagonistas, que son mujeres apasionadas, enamoradas, risueñas, trágicas, suicidas. Porque estoy con los desplazados, los oprimidos o reprimidos, los underdogs. Me han marcado mi maestra Teresa María Rojas y me has marcado tú. Dirijo como actor, sintiendo los personajes, imaginando sus monólogos interiores, agregándole el ojo estético y el ritmo, mi ritmo, lo delirante y lo patético.

7 millones de cucharaditas de obamacare para REPUS


en lo que toca a obamacare, los REPUS no han tenido muy buenas noticias recientemente: ¡7 millones de cucharaditas!

domingo, 6 de abril de 2014

la protesta del pueblo venezolano: valor, arte y performatividad



a raíz de las brutales golpizas a estudiantes en la UCV por parte de grupos paramilitares maduristas, donde varios estudiantes fueron desnudados y humillados, la juventud venezolana improvisa esta marcha desnuda en pleno caracas. parecería un performance coordinado por un curador en cualquier ciudad europea. pero no, se trata de una protesta que conlleva riesgos. la vulnerabilidad contra la fuerza bruta. la piel desnuda contra el casco y la porra. el valor del pueblo venezolano demuestra que sí hay arte en la protesta, que la política puede ser también arte.

sábado, 5 de abril de 2014

Juana Molina - Un día



Ave rara en el panorama rockero sudamericano, la argentina Juana Molina muestra una trayectoria desigual. Su cosecha ha cedido por momentos al edulcoramiento pop. Dicho en otras palabras: discos buenos, discos malos. Y es esa deslealtad hacia con su inequívoco talento la que quizás ha postergado el reconocimiento extendido. Portadora de una voz aniñada que combina el regodeo vocal con la tecnología, Juana es una compositora de recursos exóticos que recrea el universo folk porteño a partir de guitarra, teclados y el uso astuto de los pedales para los efectos tecno. Trabaja sobre la letanía de los compases emprendiendo coloraciones curiosas que quiebran los esquemas tradicionales a la manera de Portishead, Björk y Bajofondo Tango Club. Los críticos acusan en ella deficiencias en la vocalización aventurera, pero lo cierto es que impone su rareza y si se le añade el compromiso de las letras nos topamos con una identidad peculiar, mezcla de ejecución naif y espíritu hippie que en sus momentos inspirados sabe conducir lúcidamente las herramientas electroacústicas que la rodean. Al margen de las reiteraciones en su repertorio melódico, se constata un balance de búsqueda experimental y quienes se estrenan escuchándola descubren que en el sur americano queda aún bastante madeja sonora por deshilar. (JR)

jueves, 3 de abril de 2014

tupa-maduradas

La comunicadora social Vicelyz Fadul, residente del estado Carabobo, denuncia que el pasado jueves 27 de marzo fue amenazada por emitir opiniones a través de la red social Twitter

Fadul encontró el panfleto (arriba) en el parabrisas de su vehículo, por medio del cual la Operación Defensa de la Revolución Socialista, Antiimperialista, Chavista y Madurista, le da un ultimátum señalando que ha sido identificada como una de esas periodistas que se ha dado la tarea de denuncias por Twitter y por otros medios las labores de nuestros cuerpos de defensa.

miércoles, 2 de abril de 2014

"Doble vía" de Yovani Bauta (continuación)


Yovani Bauta, con más de treinta exposiciones personales y colectivas nos presenta una obra de profunda naturaleza Neo-expresionista donde apreciamos la influencia de los pintores ingleses Francis Bacon y Lucian Freud. De Bacon asimila su modo de trabajar la figura humana en el cuadro así como su capacidad para mostrar la inquietud humana y del segundo, Lucian Freud; toma su sentido y habilidad para pintar a las personas por lo que son y no por lo que quisieran ser, según las propias palabras del pintor de origen judeo-alemán, nieto del conocido padre del psicoanálisis Sigmund Freud.

El conjunto de las obras de Bauta, que pudieran agruparse bajo el título “rojo intenso” muestran un dominio excepcional de la representación figurativa y del uso inteligente de este subido tono de rojo en función de cada uno de los momentos que captan las obras. La espera, por ejemplo muestra la recia personalidad de una mujer madura, segura de sí misma, que apoya su mano en el mentón, mientras parece estar enfrascada en una entretenida conversación en la que su desnudez es el menor de los problemas. Todo parece fluir naturalmente en su entorno, donde el rojo enaltece su majestuoso temperamento. Make-up, por otra parte, captura el momento en que una mujer, se arregla su cabello, con una camisa blanca semi-abierta, sin zapatos, mientras observa distraída una pared; una franja roja atraviesa toda la pieza como un rayo de sol penetrante que destaca el desnudo femenino en ese preciso instante en que se salta de la cama y se deambula por la casa, sin otro propósito que no sea el de alistarse para salir. La tomatina, otra de las piezas de gran formato, exhibe el torso y el rostro sonriente de un joven al que le han lanzado tomates y estalla en una risa jubilosa, amplificada por la intensidad del rojo del fondo y de los tomates que parecen explotar en la “pared del lienzo”. El pescador, obra de grandes dimensiones, sugiere ideas sobre la existencia, la introspección, la meditación, la soledad, la individualidad, el silencio y la confrontación del individuo con su yo interno. El fuerte contraste entre la blancura del cuerpo del individuo y su entorno rojo, atravesado por una leve mancha amarilla, refuerza la idea de pureza y verdad del encuentro del hombre consigo mismo en que la desnudez del cuerpo coincide con la “desnudez del alma”.

Cada una de las obras de pequeño formato de Bauta, revela a un protagonista diferente capaz de mostrar un universo íntimamente conectado con el modo en que es pintado. Todos estos personajes tienen el denominador común de ser representados desnudos, despojados de cualquier señal que los asocie a una clase o sector social determinados. El pintor consigue, en todo este conjunto de obras en las que el desnudo es una constante, mostrar las esencias del alma de estos seres humanos. Esa conocida frase “todos somos iguales ante Dios” se aplica con precisión matemática en estas obras. Toda referencia atávica es eliminada en función de revelar un aspecto específico de los personajes representados.

La obra de Yovani Bauta se sitúa en una dimensión diferente a las de sus referentes visuales Francis Bacon y Lucian Freud porque se adueña de un estilo que elude a la angustia y la percepción trágica que invade toda la obra de Bacon y la desdramatización existencial de Freud. En la obra de Yovani se aprecia un cierto goce de la vida en los modelos que pinta y su apropiación del rojo invita más al significado celebrativo que tiene en las culturas orientales que a la lectura trágica que se hace del uso de este color en la cultura occidental. Su rojo resplandece, enfatiza, revela, desenmascara y gratifica.

El joven Yunier Gómez Torres, natural de Remedios en Santa Clara, Cuba, recorre un camino que bebe en otras fuentes del arte contemporáneo. El referente aquí será el Bad Painting, corriente pictórica que aparece a finales de los años setenta entre cuyas figuras más celebres se encuentran los artistas Jean-Michel Basquiat y Julian Schnabel. Esta tendencia considerada como Neo-expresionista toma prestado elementos de los graffitti, las frases de los tatuajes, los escritos en los pupitres de las escuelas, el lenguaje de los presos en las cárceles, las frases escritas en las puertas de los baños públicos, así como los mensajes grabados en los troncos de los árboles.

En este tipo de arte, los trazos son más libres y las obras espontáneamente se desmarcan de cualquier intento de representación realista, porque lo que importa es la referencia irónica a ese repertorio callejero del cual se alimenta toda la obra. Los títulos de las piezas retozan con esa jerga callejera de frases acuñadas que apuntan a las relaciones sentimentales: No entiendo de amor; Por mucho que te amo, siento que te odio; Otra estúpida noche de amor; Me hieres y dices que me quieres; El amor es un sentimiento.

Una pequeña corona constituye un motivo recurrente en los cuadros que, de acuerdo a las palabras del pintor, está asociada a la idea que algunas personas tienen de sí misma al sentirse mejores que otros; dueños del mundo; “reyes y reinas de ocasión”, resueltamente arrogantes y altivos entrampados en la exclusividad de la percepción que tienen de sí mismos y de la relación que piensan que los demás deben tener con ellos.

Otros elementos visuales como corazones sangrantes, copas, animales de cabeza, perritos callejeros, cuchillos y flechas que atraviesan corazones, componen las claves de un quehacer pictórico que se apropia de ellos para subvertirlos en este juego con un mundo cargado de mensajes portadores de una afectividad intensa que se inserta en un lenguaje simple y estereotipado donde el discurso repetitivo despoja de todo valor la condición sublime del amor.

Ambos artistas exploran caminos neo-expresionistas donde el ser humano es el foco de atención y las infinitas maneras en que interactúan con su entorno, el escenario, la “pieza teatral” de su cotidiana existencia.

Maria C. Cumana,

Critica de arte,

Profesora adjunta, Miami Dade College.